託第88屆奧斯卡之福，入圍最佳紀錄片的《凜冬烈火：烏克蘭自由之戰》（Winter on Fire : Ukraine's Fight for Freedom）突然間受到許多焦點。但其實早在這部片出現之前，之前網路上就有很多人轉貼「 烏克蘭美女對外求援 」的YouTube短片。是的，《凜冬烈火：烏克蘭自由之戰》紀錄的正是在2013年年底爆發的「反總統亞努科維奇」運動，耗時100多天的抗爭始末。
為了讓不烏克蘭的人能快速瞭解這場抗爭的來龍去脈，電影用了一點點篇幅介紹了烏克蘭的政經背景。烏克蘭是在前蘇聯瓦解後所獨立的國家，迄今已經20多年，因此新生的一代烏克蘭人可說是「天然獨」，他們生下來就認為烏克蘭是歐洲的一份子，而非俄羅斯的一部分。但是這樣的觀點，與比較年長、曾受過蘇聯統治的烏克蘭人不太相同，特別是比較傾俄羅斯的烏克蘭總統亞努科維奇（Viktor Fedorovych Yanukovych），他在競選期間曾多次公開談話，支持烏克蘭加入歐盟，可是等到他當上總統之後，不僅沒有與歐盟展開加入的談判，還反過來跟俄羅斯的總統普丁簽署了協定，因此爆發了這場抗議。
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奧斯卡每年都把一些好片拒於門外，今年最被大家提起的遺珠之憾，《無境之獸》 （Beast of No Nation）如果排第一，應該沒有人排第二。
我們常在新聞看到非洲的動亂，常常覺得距離自己非常遙遠；既然遙遠，就可以假裝「不關我的事」。因此《無境之獸》 把這些動亂帶到觀眾的眼前，讓我們再也無法自欺欺人。
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我想談談這部電影，但也不是在談這部電影。 我曾遇過一個「丹麥女孩」。嗯，這個過程除了我以外，還有當時的同事。
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這個故事不是我發現的，而是同事在MSN（有人還記得這發明嗎）上找到的，她說以前同一個辦公室的同事，恰好有符合我們想要的主題徵文、想要投稿。 於是我拿到這位當事人，這位女孩的第一手的回憶與告白，洋洋灑灑超過三千字，有吧？！勉強刪到一千多字才能刊登，可是字字都是血淚。
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OK，保羅沃克（Paul Walker）是在2013年11月30日（ 美國西岸時間），不幸死於車禍，享年40歲。在他過世當時，《玩命關頭7》（Furious 7）正拍攝到一半，所謂的一半據說是文戲都完成了（飛車的武戲則還沒有）。
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有些電影很好看，但，猛然一想，並不是沒有缺點，甚至有很多「公式」的影子。但終究還是能打動你，《歲月神偷》就是一部這樣的電影。其實好看的電影，最高境界就是「戲假情真」，本片當之無愧。
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如果電影能以搞笑之名，把各個賣座片拿來消遣，變成一部大雜燴影片；那麼，請問該片的影評也可以如法炮製，把以前的文章拿來剪貼即可嗎？好像不行，所以我只好乖乖寫新文章。
其實一開始看到《史詩大帝國》的預告，我一點也不喜歡這部片。神奇的是，我們活在一個新聞會造假、爆料也會查證不周而出槌、甚至狗仔隊也會認錯人的社會。說真的，如果這些人犯錯都能理直氣壯，從不為自己專業上的烏龍感到羞愧，像《史詩大帝國》這樣的電影又何罪之有呢？人家擺明了就是「亂搞」、「鬼扯」，為什麼總有觀眾要抱著「進戲院就是要得到收穫」的心態去看電影呢？你們不知圖書館怎麼走，所以才來戲院嗎？
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你能想像一部有關於情報員的電影，沒有機關、秘密武器、打鬥，只有不斷湧上的孤寂嗎？《特務風雲：中情局誕生秘辛》就是一部這樣的片。
很明顯地，好萊塢從「911事件」後，對於所謂的國安機密、組織感到好奇不已；顯而易見地，他們卻不得其門而入。既然無法描述當今的現況，那就反其道而行，描述特務機關的誕生與開始。全片就以麥特戴蒙飾演的艾德華為中心，回憶他從學生時代加入戰略情報局開始，直到甘迺迪總統就任為止的過程。
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看完《聯航93》，你只能大口地喘著氣，然後快速地想離開戲院。那是一部導演從頭到尾都很冷靜、也不想煽情，幾乎用「超然旁觀」的觀點，看待整個事件。但這樣的觀影經驗，不會在《世貿中心》重複。
儘管奧利佛史東也拍了「911事件」當天，巡邏員警的平淡生活：他們去辦公室報到、聽取簡報、在街上注意各種可疑人物，處理各種狀況。但是整部片就只有這個段落是「冷靜」的，在影片的其他部分，奧利佛史東採取的觀點，是兩個主角在九死一生後的感想：他們要世人知道，珍惜生命中的點滴，是一種稍縱即逝，錯過就再也沒有的機會。
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看這部片的時候，我不斷在思考，台灣電影可以有怎樣的出路。在某種程度來說，《盛夏光年》讓我回想起《我們都是這樣長大的》，尤其是童年的橋段（好險這段其實我沒怎麼看到，哈）。就在觀眾以為似曾相似的時候，好險，主角長大了。
是的，假如說《我們都是這樣長大的》，其實是針對上個世代的共同成長背景，所打出的一種懷舊牌，以便招攬觀眾，那麼《盛夏光年》想訴求的是另外一批全新的世代。他們不是媒體所形容的五、六年級（然而影片的確有考慮到這批人能否買票的動機），而是七年級世代。只是，社會不斷地變遷發展，光是販售單一世代的共同成長記憶，已經是不夠的。要讓觀眾掏錢買票走進戲院，電影創作人必須想出些不同的法寶──你得想出些觀眾平常看不到的題材。
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到底台灣電影該不該效法韓國，也朝向「把好萊塢類型電影在地化、本土化」的路線發展呢？從《雙瞳》到《詭絲》，都出自同一個編劇蘇照彬的手筆，也沿用《雙瞳》跨國合作模式在台灣拍攝，這兩部片跟接下來蘇照彬要拍攝的作品，某種程度可以當作上述問題的一種答案。
首先，最先獲益的是演員。張震在同樣是跨國合作的《臥虎藏龍》，口條的表現令人詬病，是該片最弱的一環。但到了《詭絲》，已經完全沒有昔日的缺點，你甚至可以從他刻意壓低音調的語調，感受到劇中人那種壓抑情緒、背負某種原罪的痛苦。另外一個更漂亮的演員是大S，她的戲份少、角色更缺少深度的背景支撐，可是她竟然可以在先天不族的條件下脫胎換骨，完全不像我們在電視上認識的她。更優異的是，全片有不少台詞都必須用日文發音，但只有大S的日語能講出該有的感情，還包括了那種「不干示弱、能奈我何」的好勝，若能給她更多機會，大S一定可以站上巔峰。這兩個人的演出，就像《詭絲》的特效，都在該有的水準之上，值回票價。
不過就像韓片在朝向好萊塢看齊的路上，也有不少邯鄲學步的階段。《詭絲》有很多的奇想，但在表現鬼怪的形式上，卻是一點創意都沒有。小鬼跟女鬼的處理手法，已經夠像《咒怨》了。然後鬼怪冒出來的樣子，更像《七夜怪談》。以及一路驚悚、還有感人戲份的經營下，蘇照彬也忘記了要解釋為何小鬼會在空屋現身──那地方不是他的葬身之地，也不是生前流連忘返之處，為什麼死後要在那出現呢？
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如果你不要特別在意本片標榜的「真人演出、電腦捕捉」的動畫技術，也不要管這部片到底是鬼片還是恐怖片，或納悶「為何一個有關鬼屋的動畫片用三個小孩當主角」，《怪怪屋》其實是史匹柏一次對於八零年代初期，他所製作一系列「住在郊區的中產階級」電影的致敬與溫故知新。
時間要回到1982年，史匹柏導演的《外星人ET》，以雷霆萬鈞之勢打破所有票房紀錄、贏得所有評價，讓投資該片的環球影業龍心大悅，讓他有機會成立「安培林製片機構」，製作自己感興趣的題材。這個機構的商標，就是《外星人ET》最經典的一幕，「騎著單車的小男孩，載著外星人飛過天上的月亮」。史匹柏以「安培林」為基地，號召了許多志同道合的電影工作者（大多數都是他在南加大電影系前後期的學長學弟），一起打拼。從《小精靈》《鬼哭神號》《七寶奇謀》《回到未來》《大腳哈利》等都是當中的代表作。這些故事的共同點是什麼？連同《外星人ET》在內，都以「住在郊區的中產階級」為背景，經歷各種冒險；主角往往都是家庭成員當中最不被重視的（也就是還不會賺錢的小孩、青少年居多），卻因為這次冒險打破以往的某些偏見，重新發現自我價值，最後眾人達成了捍衛家園與社區的使命。
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這不是山謬傑克森第一次對抗怪物。
早在1993年史匹柏的那部《侏儸紀公園》，山謬不斷抽著菸，坐在電腦前面，想辦法要恢復電腦系統癱瘓的恐龍公園，然後想出電力關掉重開的點子。結果呢，他就這樣一去不復返。最後女主角蘿拉鄧發現他的時候，只剩下一條胳臂。
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在我駕照路考莫名奇妙失敗之後，我必須坦承，《玩命關頭：東京甩尾》應該以片中所有的甩尾鏡頭，拿下奧斯卡最佳影片獎。
我坐在駕駛座上，手忙腳亂腦筋空白，可是電影的主角們都能輕鬆自如邊開車邊談戀愛（或恨來恨去），還能兼顧方向盤、油門、離合器、煞車、排檔桿、手煞車........然後在路面上做出那漂亮的甩尾。而我，連個「S型彎道」，都開的歪七扭八。真的，甩尾是一種了不起的成就，如果成龍能因親自演出各種危險場面受到世人尊敬，本片的飛車更當之無愧。
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我始終都覺得《玩命關頭》系列電影，劇情極度「無聊」到極點，但是我還是集集到戲院報到。這次也不例外，儘管《頭文字D》已經珠玉在前，老外想出《東京甩尾》的點子只能說後知後覺。
果然這次的劇本也更加「尼爾莫瑞茲」──這位總喜歡把前人的各種點子，用新世代的邏輯觀點，重新詮釋的製片，每部片都拍的十分「淺顯易懂」、而且是日漸「淺顯易懂」──男主角西恩在美國不學好闖禍，所以被送去東京投靠在當地美國海軍基地服役的老爸。不過神奇的是，日文不會說、漢字不會看的西恩，可以在第一天上學就煞到女主角、然後又得罪女主角的黑道男友，然後又闖入了當地的飆車世界──他之所以被趕出美國的理由，就是因為類似的「豐功偉業」。很顯然地，牛牽到北京還是牛，西恩牽到東京還是西恩，他居然可以在最短的時間內，於地球的另外一端「重蹈覆轍」，簡直比「尼爾莫瑞茲」還要「尼爾莫瑞茲」。
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這是一個「灰姑娘」般的童話故事，一男一女兩個天造地設的主角，各自有著不同的成長背景：一個苦命異常也甘之如飴，一個是三千寵愛在一身好運連連。然後，就像《灰姑娘》那樣，他們在一場舞會中見面了，接著故事急轉直下──他們的命運居然交換了！
《幸運之吻》可說是現代版的《灰姑娘》，唯一的差別是，男主角才是那個命苦的、被虐待的，諸事不遂，女主角則是榮華富貴享用不盡，尤有甚者，她就是天生超好運。如此性別顛倒的安排，有種別出心裁的趣味。「灰姑娘」對於自己的命運逆來順受，被動地等待王子來救援，這樣的人生觀當然不會出現在一部以時下紐約為背景、主角從事五光十色唱片工業的電影中，因此劇中人對抗逆境的方法是拒絕坐以待斃，不斷嘗試、努力而導致出糗連連。
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「人類有很多食物，人類不是為了填飽肚子才需要食物，是為了填飽肚子才生活」，浣熊阿傑如此說服一群動物，冒著生命危險跟著他跑進郊區蒐集食物過冬的理由。這是《森林保衛戰》最耀眼的一段劇情，原來在阿傑的眼中，人類就是如此古怪又可笑，只過著不斷把肚子填滿各種食物的日子。我不禁拍案叫絕，夢工廠終於從《馬達加斯加》那個不斷想把動物擬人化，卻又不斷敗給大自然定律的搞笑動畫中走出來。
諷刺的是，如此靈光一現的觀點，在影片的其他片段，全都消失了。觀眾無法更認識這群動物。無論他們是浣熊、刺蝟、負鼠、烏龜，棕熊，他們表面上忙個儲存過冬的食物，但更多時候他們比人類也更像人類，有著親情、友情、跨越物種的道義。夢工廠的動畫製片沒有放進那些擬人化的點子，卻讓野生動物們學會了打電動、（因為打電動打太久導致學會）開車、甚至用數位相機拍照，拍好後還從印表機列印出來（好棒的置入性行銷啊！）。
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早在「可魯」把一堆人的眼淚哭成淚海之前，1943年好萊塢就推出了原著《萊西回家》改編的《靈犬萊西》。那是觀眾們首次見識到會「演戲」的動物，而劇中那位清純可愛的女童星，就是現在的玉婆伊麗莎白泰勒。因為該片太受歡迎，「萊西」後來衍生各種版本的冒險，甚至被改成「美國籍」，子子孫孫都靠此走天下。
但是這部《2006靈犬萊西》卻不打算做任何時空的更改，尤有甚者，把「萊西」的故事還原成小說最早的設定：發生在二次大戰前夕的英國鄉間。一個面臨失業問題的礦工家庭，為了收入忍痛把愛犬萊西賣給公爵籌措生活費。但萊西習慣了每天下午四點去學校接小主人放學，因此不惜冒險逃出豪宅，踏上了返鄉之旅。如此忠孝節義的題材，可魯真的是甘拜下風。
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今年會有一堆電腦動畫電影，通通不約而同以「動物」當作擬人化的主角。只有開創電腦動畫風氣的皮克斯反其道而行，拍了這部以汽車為擬人化主角的《CARS》。行家一出手，便知有沒有。《CARS》有個非常清楚的主題：不知天高地厚的小天王，意外流落小鎮，從這些他鄙視的鄉巴佬身上學到許多寶貴的道理，扭轉了人生觀，學會生命不光只是雖求速度，也要停下來欣賞風景。
請注意，這個劇情大綱其實用真人來表演也一樣可行，這就是皮克斯的故事設定的高明之處，他們從來不會先想出「擬人化可以產生怎樣的趣味、笑點」，當作整個電腦動畫的主軸。在《玩具總動員》《蟲蟲危機》《怪獸電力公司》《海底總動員》雖然有許多擬人化的角色，還是有人類的出現。《CARS》大膽突破，設定了一個沒有人，只有車的世界──或你也可以說，這部片的「人」通通是以「車」的形象出現。我想此乃《CARS》跟其他把動物擬人化的電腦動畫最大的差異之處，主角是「披著車子形象的人」，而非「把車子（動物）擬人化」。
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邁阿密長大的布萊特雷特納，很想拍電影，也許他的才華不見得最出眾，但他有最不可忽視的企圖心。在紐約大學念電影時，寫信說服了史匹柏給他獎學金，原本這份獎學金只給南加大的學生。當成龍在南非拍《我是誰》的時候，他帶著《尖峰時刻》的劇本飛去外景地，說服成龍一定要接下這部片不可。於是當他使出渾身解數卻得不到《超人再起》的導演一職，宣稱想拍漫畫電影已經想到死的他，在《X戰警：最後戰役》開拍前八週總算如願以償，坐上了導演的位子。
若要說第三部《X戰警》電影有什麼不同，布萊特雷特納顯然是最大的變數。儘管他拍過兩部《尖峰時刻》，讓我們覺得實在沒什麼特別；他執導《沉默的羔羊》的前傳《紅龍》，只能說他很忠實地掌握驚悚片的精神，學的唯妙唯肖，沒有什麼突破。至於他拍的《扭轉奇蹟》，充其量是彩色版的《風雲人物》，卻毫無任何感人之處。我很納悶，布萊特雷特納要怎麼超越前兩集《X戰警》導演布萊恩辛格的成功？他是瘋了嗎，自毀前途不成？
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志同道合 
